ARCHIVE
DELIRIUM/
CULE E’
ARCHIVO







Este archivo está en constante devenir, en constante evolución. Abarca la diversidad de tiempos, espacios, disciplinas y dimensiones que tiene la máscara y el carnaval. Quiere ser un depósito de conexiones y una colección incompleta de momentos. También tiene la intención de mostrar y hacer más inteligibles a artistas y pensadores del Sur Global. Lo escribimos con nuestras propias palabras para usted, para que tenga otra versión de la historia.
Si quiere ser parte de este archivo, envíeme un correo a mariangelicamadero [a] gmail [pnto] com

This archive is in eternal becoming. It encompasses the diversity of times, spaces, disciplines and dimensions that the mask and the carnival has. It wants to be a repository of connections and an incomplete collection of moments. It also intends to make visible and more intelligible the Global South’s—unrepresented—artists and thinkers. It is written by us as a way to read and storytell the images that are part of it.
If you want to be part of it, please email me to mariangelicamadero [a] gmail [dot] com






Guerilla Girls

United States Colectivo anónimo de artistas feministas y antirracistas. Este colectivo usa máscaras de gorila y habla con humor escandaloso y visual para denunciar la discriminación contra las mujeres en el arte y exponer la corrupción en la política, el arte, el cine y la cultura pop. Guerrilla Girls cree en un feminismo que lucha contra la discriminación y apoya los derechos humanos para todas las personas y todos los géneros. Sus actividades consisten principalmente en colocar carteles y hacer apariciones públicas en museos y galerías de Nueva York, para denunciar la discriminación por motivos de género y raza en las personas. Todo esto se hizo de forma anónima, por eso usaron máscaras de gorila.
Anonymous art collective of feminist and anti-racist artists. This collective wears gorilla masks and speaks with scandalous and visual humor to denounce discrimination against women in art and expose corruption in politics, art, film and pop culture. Guerrilla Girls believe in a feminism that fights against discrimination and supports human rights for all people and all genders. Its activities consist mainly of putting up posters and making public appearances in museums and galleries in New York, to denounce discrimination based on gender and race in people. All this was done anonymously that is why they used gorilla masks.  

More: https://www.guerrillagirls.com/






Jamie Warren

United States
Jamie se toma selfies disfrazándose de personajes de medios, arquetipos o figuras de la historia del arte, combinándolos con diferentes tipos de comida rápida. El resultado es inquietante y cómico. Warren muestra personajes como Lasagna Del Rey, OreOprah, JonBeignet Ramsey o Rod Steward siendo un pretzel. Jaime Warren ha decidido llevar la "selfie" a límites insospechados. Warren cuestiona que nadie pueda escapar del narcisismo mediático, una explosión de egocentrismo y la representación del "yo". Warren inserta elementos extraños y contundentes en sus autorretratos, llevando la práctica de selfies a otro nivel.
Warren takes selfies by dressing up as media characters, archetypes or figures from art history, combining them with different types of fast food. The result is disturbing and comical. Warren shows characters like Lasagna Del Rey, OreOprah, JonBeignet Ramsey or Rod Steward being a pretzel. Jaime Warren has decided to take the "selfie" to unsuspected limits. Warren questions that no one can escape media narcissism, an explosion of egocentrism and representation of the "I". Warren inserts strange and forceful elements into his self-portraits, taking selfie practice to another level.

More: https://www.dontyoufeelbetter.com/celebrities-as-food-foodlebrities-1







Ismael Escorcia

Colombia

Este traje tradicional tuvo su origen en tiempos de división política en Colombia. Ismael Escorcia vivió en el momento de la 'decapitación' del líder político Jorge Eliecer Gaitán. Así nació la idea de este disfraz. Cuyo primer honor fue el líder político, que fue moldeado con pedazos de trapos, varillas, pan pita y forrado con papel. Hoy 'El Descabezado' rinde homenaje a celebridades, deportes y política entre ellos: El Pibe Valderrama, Edgar Renteria, Joe Arroyo, Fidel Castro, entre otros. 'El Descabezado' es un disfraz que sorprende y anima especialmente durante los desfiles de carnaval, gracias a su cuello ensangrentado, su machete desafiante y la cabeza que sostiene en su mano izquierda, se ha convertido durante 65 años en un ícono entre los disfraces que forman parte del Carnaval de Barranquilla.

This traditional costume had its origin in times of political division in Colombia. Ismael Escorcia lived at the time of the 'decapitation' of the political leader Jorge Eliecer Gaitán. This is how the idea of this costume was born. Whose first honoree was the political leader, who was molded with pieces of rags, rods, bun pita and lined with paper. Today ‘El Descabezado’ pays tribute to celebrities, sports and politics among them: El Pibe Valderrama, Edgar Renteria, Joe Arroyo, Fidel Castro, among others. 'El Descabezado' is a costume that particularly amazes and cheers during Carnival parades, thanks to its bloody neck, its challenging machete and the head it holds in its left hand, it has become for 65 years an icon among costumes that are part of the Barranquilla Carnival.
More: https://youtu.be/JHwtjlJ9Lzw



Paula Riquelme

Colombia






Este trabajo está lleno de nodos, relaciones de tejido. Estos nodos nos ayudan a entender que todo está vivo y conectado. Los gestos de amalgamadas de Paula Riquelme son vívidos. Las imágenes circulan entre abstracción y antropometría, así como formas de animalismo, minerales, florales y salvajes. Implica todas las formas de materia: desde plasma, líquido, sólido y gaseoso. La experiencia del trabajo descubre capas de comprensión inconsciente y parresia visual (libertad de expresión visual).


This work is full of nodes, knitting relationships. These nodes help us understand that everything is alive and connected. The gestures Paula Riquelme amalgamates are vivid. The images circulate between abstraction and anthropometrics as well as animalism, mineral, floral and savage shapes. It entails all the forms of matter: from plasma, to liquid, to solid and gas. The experience of the work uncovers layers of unconscious understanding and visual parresia (visual free speech).


See the whole video here: https://vimeo.com/228985619

More: http://www.marana.online/






Ahaad Al Amoudi


Saudi Arabia

El trabajo de Ahaad Alamoudi aborda la historia y la representación. En su investigación sobre la etnografía reformista árabe, las instalaciones de fotografía, video e impresión de Ahaad buscan alterar la interpretación histórica de Arabia Saudita. En la instalación Open Culture de Amoudi, las 20 máscaras moldeadas de plástico están grabadas con láser con diseños únicos e intrincados inspirados en la naturaleza y el cuerpo. Curiosos y complejos, exigen atención, dando testimonio de cómo el burka actúa como una máscara moderna muy gastada. Amoudi lo ve como una poderosa metáfora en su práctica artística: las máscaras como símbolos tanto para el burka como para los personajes de Internet que creamos de nosotros mismos. En Arabia Saudita, el burka a menudo se conoce como "el niqab", otra forma de cubrirse la cara.
Ahaad Alamoudi work addresses history and representation. In their research on Arab reformist ethnography, Ahaad's photography, video and print facilities aim to alter Saudi Arabia's historical interpretation. At Amoudi's Open Culture installation, the 20 plastic-molded masks are laser-engraved with unique and intricate designs inspired by nature and the body. Curious and complex, they demand attention, bearing witness to how the burqa acts as a well-worn modern mask. Amoudi sees it as a powerful metaphor in his artistic practice: masks as symbols for both the burqa and the Internet characters we create of ourselves. In Saudi Arabia, the burqa is often referred to as "the niqab", another way to cover your face.
More: https://www.residencyunlimited.org/residencies/ahaad-alamoudi/





Joselyn McDonald

United States







Flora decorates, flora protects. In a conversation with ecofeminism, these images expose a criticism to technology and draw closer meaning to nature as culture. Joselyn desperately wants to unveil the utility of mother nature as a shield. Based on resistance strategies, natural elements undermine mass surveillance through strategic application to the face. This makeup—or mask, false face, facade, camouflage, maskerade—is a way to defy facial recognition algorithms while at the same time a femenine ritual. The “Mother_Protect_Me” floral makeup photo series goes beyond and sees nature as a provocation, representing the feminine-mother nature retaliation against the artificial remembrance of our use of nature as shelter and protection. When applied strategically around the face and over facial features, the flora serves as a shield from Big Brother.

More: www.joselynmcdonald.com
La flora decora, la flora protege. En una conversación con el ecofeminismo, estas imágenes exponen una crítica a la tecnología y dibujan un significado más cercano a la naturaleza como cultura. Joselyn quiere revelar desesperadamente la utilidad de la madre naturaleza como escudo. Basado en estrategias de resistencia, los elementos naturales engañan el reconocimiento facial y la severa vigilancia a través de la aplicación estratégica de flores en la cara. Este maquillaje—o máscara, fachada, camuflaje, mascarada,—es una forma de desafiar los algoritmos de reconocimiento facial y, al mismo tiempo, es un ritual femenino. La serie de fotos de maquillaje floral "Mother_Protect_Me" va más allá para ver a la naturaleza como una provocación, representando la represalia de la madre-naturaleza femenina contra el recuerdo artificial de nuestro uso de la naturaleza como refugio y protección. Cuando se aplica estratégicamente alrededor de la cara y sobre los rasgos faciales, la flora sirve como un escudo de Gran Hermano.








Ralph Eugene Meatyard

United States






Ralph Eugene Meatyard es pura experimentación: desde retratos de sueños, lugares abandonados, hasta exposiciones múltiples, desenfoque de movimiento y otros métodos de abstracción fotográfica. La figura borrosa es un sello distintivo de su trabajo. Meatyard trabajó en explosiones productivas, a menudo dejando su película sin desarrollar durante largos períodos, y luego trabajando febrilmente en su improvisado cuarto oscuro en casa. Durante años, Meatyard persuadió a sus hijos, familiares y amigos para que se pusieran una de las máscaras de Woolworths y posaran frente a su cámara. Las fotografías se convirtieron en las más conocidas de las imágenes que dejó cuando murió. Meatyard abordó las "máscaras" surrealistas de identidad y la naturaleza efímera de la materia superficial. Eligió el entorno, luego miró la luz particular en ese momento y lugar, y comenzó a componer escenas usando la cámara, diciéndoles a sus sujetos dónde pararse, qué cara a cara, si moverse o quedarse quieto. Su trabajo fue experimental e instintivo.

Ralph Eugene Meatyard work spanned many genres and he experimented with new means of expression, from dream portraits, abandoned places, to multiple exposures, motion blur, and other methods of photographic abstraction. The blurred figure is a hallmark of his work. Meatyard worked on productive explosions, often leaving his film undeveloped for long periods, and then working feverishly in his makeshift darkroom at home. For years, Meatyard persuaded his children, family and friends to put on one of the Woolworths masks and pose in front of his camera. The photographs became the best known of the images he left behind when he died. Meatyard addressed the surreal "masks" of identity and the ephemeral nature of surface matter. He chose the environment, then looked at the particular light at that time and place, and began to compose scenes using the camera, telling his subjects where to stand, which face to face, whether to move or stay still. His work was experimental and instinctive.
More: https://fraenkelgallery.com/artists/ralph-eugene-meatyard







Luis Pazos

Argentina





"La Cultura de la Felicidad", 1971, Pazos utiliza el cuerpo humano con la intención de cuestionar las ideologías políticas en evolución. El artista informa y examina la historia de Argentina, un país que ha sufrido años de inestabilidad y dictadura desde finales de los años sesenta. Da instrucciones al público que se convierte así en esculturas vivas, transformando cuerpos en formas geométricas, evocando alistamientos militares y fuerzas de resistencia. Las ideologías políticas condicionan el cuerpo social y los cuerpos individuales.

In “La Cultura de la Felicidad”, 1971 Pazos uses the human body with the intention of questioning evolving political ideologies. The artist reports and examines the history of Argentina, a country that has suffered years of instability and dictatorship from the late 1960s. He gives instructions to the audience who thus become living sculptures, transforming bodies into geometric shapes, evoking military enlistments as well as resistance forces. Political ideologies condition the social body and individual bodies.  

More: https://kadist.org/people/luis-pazos/




Sislej Xhafa


Kosovo

Realidad y ficción, lo horroroso y lo bello están en diálogo en esta pieza. “La realidad es más fuerte que el arte. Como artista, no quiero reflejar una realidad, pero sí quiero cuestionarla ”, escribe Sislej. En este trabajo, llamado "Una y otra vez", una orquesta de cuerdas, en respuesta a una señal del director de la orquesta, los músicos se ponen máscaras de pasamontañas negras. El miedo comienza a impregnar la habitación. Tocan Adagio para cuerdas de Samuel Barber, una pieza muy sensible. Este trabajo está relacionado con la guerra de Kosovo y las experiencias de identidad, nacionalidad, migración, ilegalidad e instituciones.

Reality and fiction, the horrific and the beautiful dialogue in this piece. “Reality is stronger than art. As an artist I do not want to reflect a reality, but I do want to question it” writes Sislej. In this work, called “Again and again,” on director’s sign of a string orchestra, the musicians put on black balaclava masks. Fear starts to permeate the room. They play Adagio for Strings of Samuel Barber, one of the most sensitive and beautiful music pieces in the world. This work is tied up with Kosovo’s war and experiences of identity, nationality, migration, illegality and institutions.





Romuald Hazoumè

Benin



Romuald Hazoumè creates photographs, masks, installations and canvases. In his pieces he discusses slavery as a modern equivalent, going beyond the dominant power that seeks economic labor. Hazoumè focuses on Beninese men forced to smuggle gasoline. His photographic series exposes the legacy of the slave trade through witty portraits, his work documenting the diversity of African life today. He is interested in the myths and cultural traditions of his people. It gives traditional African masks a new meaning. Romuald Hazoumé appropriates objects and gives them a new meaning by introducing them in an unusual context. Hazoumé transfers the spirituality of his ancestors into contemporary imagery. Use recycled materials found anywhere. It gives its culture a new meaning and a place in today's world, without the need to lose the essence of its roots.

More:http://www.octobergallery.co.uk/artists/hazoume/
Romuald Hazoumè crea fotografías, máscaras, instalaciones y lienzos. En sus piezas, analiza la esclavitud como un equivalente moderno, yendo más allá del poder dominante que busca trabajo económico. Hazoumè se centra en los hombres benineses obligados a contrabandear gasolina. Su serie fotográfica expone el legado de la trata de esclavos a través de retratos ingeniosos, y su trabajo documenta la diversidad de la vida africana en la actualidad. Le interesan los mitos y las tradiciones culturales de su pueblo. Le da a las máscaras africanas tradicionales un nuevo significado. Romuald Hazoumé se apropia de los objetos y les da un nuevo significado al introducirlos en un contexto inusual. Hazoumé transfiere la espiritualidad de sus antepasados a las imágenes contemporáneas. Use materiales reciclados que se encuentran en cualquier lugar. Le da a su cultura un nuevo significado y un lugar en el mundo de hoy, sin la necesidad de perder la esencia de sus raíces.












Kader Attia

Algeria











Kader Attia interviene (repara, amendes, altera) las máscaras africanas y revela muchas verdades (verdades metafóricas, analógicas pero reales). Más allá de la intervención, coloca las máscaras allí, en el espacio real, para que estén presentes y reconocidas. Muchos historiadores del arte han reconocido el hecho de que el cubismo y la estética de Pablo Picasso y George Braque provienen de referencias artísticas no occidentales. Más precisamente, las máscaras congoleñas son la base formal de múltiples perspectivas en el cubismo. Usando las palabras de Attia: "Achille Mbembe, un pensador africano que conocí durante una conferencia que estaba dando hace unos años en la Tate Modern sobre el concepto de reapropiación, me dijo lo siguiente:" Kader, hay reapropiación porque hubo despojo ". Desde la reapropiación hasta la reparación, es solo un pequeño paso ”.

Kader Attia intervenes (repaires, amendes, alters) Africann masks and unveils many truths (metaphorical, analogical but real truths). Beyond the intervention, he places the masks there, in the real space, so they are present and recognised. Many art historians have acknowledged the fact that cubism and Pablo Picasso and George Braque’s aesthetics come from non-western art references. More precisely the Congolese masks as the formal foundation of multiple perspectives in cubism. Using Attia’s words: “Achille Mbembe, an African thinker I met during a lecture I was giving a few years ago at the Tate Modern on the concept of re-appropriation, told me the following: “Kader, there is re-appropriation because there was dispossession”. From re-appropriation to repair, is only a small step.”


More: http://kaderattia.de/



Oskar Schlemmer

Germany

















Las geométricas de un cuerpo orgánico con cabeza metálica cortan la imagen. Golpes, perillas, nudos, prominencias y proyecciones de nuestro propio cuerpo exprimible. La cabeza, el órgano que resume lo que somos, sugiere una máquina. Los bailarines con cabeza de máquina alcanzan la tridimensionalidad del escenario. El mudo robótico sugiere la superación del individualismo e invita al color, la forma, el sonido y la luz al arte y la modernidad. Dance of space o Space Dance (1926) es una pieza de danza teatral que dibuja la relación entre el movimiento, el cuerpo y la geometría como tres ejes para (re) construir el mundo. Con los trajes galácticos, la imaginación matemática alcanza una ontología fusionada del cuerpo en relación con la naturaleza, la cultura y la industria. Schlemmer era consciente de que a través del cuerpo, la transformación de los gestos y la masterización de los movimientos rediseñaron la sociedad. El arte es, como lo consideran muchas manifestaciones, un golpe racional de la carne y los huesos animados irracionales: la respiración, la circulación sanguínea, la mutación digestiva y todos los sistemas que lo rodean.
Geometrical lines of an organical metallic-head body cut the image. Bumps, knobs, knots, prominences and projections of our own squeezable body. The head, the organ that summarizes what we are, suggests a machine. The machine headed dancers reach the three dimensionality of the stage. The robotic mute suggests the overcoming of individualism and invites colour, form, sound and light to art and modernity. Dance of space or Space Dance (1926) is a theatrical dance piece that draws the relationship between movement, the body, and geometry as three axes to (re)construct the world. With galactic costumes, mathematical imagination reaches a merged ontology of the body in relation to nature, culture and industry. Schlemmer was aware that through the body the transformation of gestures and the masterization of movements reengineered society. Art is, as many manifestations consider it, a rational befall of the irrational animate flesh and bones: the respiration, blood circulation, digestive mutation and all the systems around it.





Como Clube

Brazil

Percepción, sensación, comunidad, movimiento, colectividad, tacto: esto es lo que vemos en las imágenes. En constante mutación, la plataforma es un escenario para que sucedan cosas. Dislocado abiertamente, el objeto artístico aparece y vuelve a aparecer a medida que se abre el espacio. Como Clube es un espacio autoorganizado para que los artistas trabajen con performatividad y políticas de identidad en el contexto de Brasil. Heterogéneo, políticamente consciente y contagioso. Entonces, dentro de su reinvención constante, Como Club comprende la complejidad y diversidad de las manifestaciones corporales a través de la máscara y las celebraciones.



Perception, sensation, community, movement, collectivity, touch: these are what we see in the images. In constant mutation, the platform is a stage for things to happen. Openly dislocated, the art object appears and reappears as the space opens. Como Clube is a self-organised space for artists to work with performativity and identity politics in the context of Brazil. Heterogeneous, politically aware and contagious. So within their constant reinvention, Como Club understands the complexity and diversity of bodily manifestations through the mask and celebrations.





Camilo Pachón

Colombia



Camilo está buscando el espíritu. El espíritu  que está presente en potencia. El espíritu como alteridad (y un reconocimiento del otro). El espíritu como energía colectiva. El espíritu como fantasma, un espectro que constantemente nos persigue. El espíritu es múltiple, no vive en el uno. Camilo descubre singularidades plurales y hace evidente que el disfraz es un vehículo para un trance colectivo. "Beyond the Costume" es un acercamiento al espíritu del Carnaval de Barranquilla en Colombia, el segundo carnaval más grande del mundo. "Beyond de Costume" sugiere una vida futura, un espacio psíquico más allá de la colocación del material. Un personaje es una disposición, una personalidad, un atributo y al mismo tiempo una mentalidad y una esencia. Cada toma que toma Camilo suspende seres efímeros en recuerdo eterno. Cada disparo está un paso más cerca de encontrar el espíritu.

Camilo is looking for the spirit. The spirit as that which is present in potency. The spirit as alterity (and an acknowledgment of the other). The spirit as a collective energy. The spirit as a ghost, a specter that is constantly haunting us. The spirit is multiple, it doesn’t live in the one. Camilo uncovers plural singularities and makes evident that the costume is a vehicle for a collective trance. “Beyond the Costume” is an approach to the spirit of Barranquilla’s Carnival in Colombia, the second largest carnival in the world. “Beyond de Costume” suggests an afterlife, a psychic space beyond the material placement. A character is a disposition, a personality, an attribute and at the same time a mentality and an essence. Each shot Camilo takes suspends ephemeral beings in eternal remembrance. Each shot is a step closer to finding the spirit.

More: https://www.behance.net/camilopachon












Julieth Morales

Colombia



























Un cuerpo en movimiento, una cara enmascarada posando. Desde el gesto hasta la colocación, este trabajo distingue la potencialidad de la máscara en contexto. Además, la transformación de una singularidad a través de la construcción de un personaje como índice del mundo invisible y visible. Julieth Morales, desafiando las representaciones de los temas indígenas, reinterpreta la tradición para traer un presente inagotable. Desentrañando uno de los rituales de Misak, "La mojiganga" solo puede ser realizada por hombres. Se personifican cambiando su voz y convirtiéndose en un personaje: el abuelo, el bebé, el diablo, entre otros. En este trabajo, Morales encarna la máscara de las "Missis", la máxima representación de las mestizas, una mujer que es perezosa y no puede cocinar y no tiene tradición. Al usar su propio cuerpo, dibuja una declaración en el colectivo. En el corazón de lo comunitario, su trabajo cuestiona constantemente las prácticas contemporáneas como insostenibles debido a la individualidad individualista en la que vivimos. Finalmente, como dice el eslogan para la gente de Misak: NA MUY PIRØ WAN WØTØTRANTRAP SRØTØPA (Recuperar la tierra para recuperar todo), el trabajo en sí mismo es un territorio fértil.
A body moving, a masked face posing. From gesture to placement, this work distends the potentiality of the mask in context. What's more, the transformation of a singularity through the construction of a character as an index of the invisible and visible world. Julieth Morales challenging the representations of indigenous subjects reinterprets tradition to bring in an inexhaustible present. Unraveling one of the Misak rituals, “La mojiganga” can only be performed by men. They personify by changing their voice and turning into  a character: the grandfather, the baby, the devil, between others. In this work, Morales embodies the mask of the “Missis” the ultimate representation of mestizas, a female that is lazy and can’t cook and has no tradition. By using her own body, she draws a statement back into the collective. In the heart of the communal, her work constantly questions contemporary practices as unsustainable due to the individualistic selfness in which we live. Finally, as the slogan for the Misak people utters: NA VERY PIRØ WAN WØTØTRANTRAP SRØTØPA (Recover the land to recover everything), the work in itself being a fertile territory.

More:
https://www.espacioeldorado.com/julieth-morales-ingles


Anastasia Pilepchuk

Rusia







Dos agujeros rodean los ojos. Los ojos están abiertos y se pueden ver. Las texturas emergen de la cara como un nuevo tipo de cutis. Ya no es el espacio de lo real ya que Anastasia reclama el reino de los sueños. Le interesan las capas y los hilos del llamado real que se entrelaza con lo imaginario y lo simbólico. Al descubrir asociaciones de ensueño, la máscara se convierte metafóricamente en el umbral entre el ser interno y el externo. Cuando algo está oculto, se revela algo más. Esas máscaras apelan a la diversidad de las relaciones materiales entre la forma antropocéntrica de la cara y las formas del material.

Two holes surround the eyes. The eyes are open and can be seen. Textures surface from the face like a new type of cutis. It is no longer the space of the real since Anastasia claims the realm of dreams. She’s interested in the layers and threads of the so-called real that interweaves with the imaginary and the symbolic. Uncovering dream-like associations, the mask becomes metaphorically the threshold between the inner and outer self. When something is hidden, something else is revealed. Those masks appeal to the diversity of material relations between the anthropocentric shape of the face and the material’s shapes.



More information: https://pilepchuk.com/masks/







Edson Chagas

Angola

Sus obras exploran ciudades y consumismo. En la serie "Passe Type", 12 retratos tipo pasaporte de personas vestidas con trajes o camisas en las que sus diferentes máscaras africanas tradicionales ocultan sus rostros. La ropa se refiere al tipo de vestuario que usan los angoleños cuando toman fotografías de pasaportes que representan al país en el extranjero. Las máscaras se refieren a la identidad como un reclamo de diversidad. "Quería lidiar con el multiculturalismo. Cuando las personas discuten sobre África lo hacen como si fuera solo un país, pero es un continente"—Chagas.

En la serie "Oikonomos" hay personas fotografiadas con una camisa blanca y diferentes bolsos: africanos, estadounidenses o chinos, colocados en sus cabezas, cubriendo sus rostros. Chagas utiliza la fotografía para analizar la vida cotidiana relacionada con el consumismo y la globalización. El hecho de que todas las personas se vistan igual y solo se distingan por el tipo de bolsa que cubre sus rostros, cuestiona cómo nuestros patrones de consumo definen cada vez más nuestra identidad. Chagas cuestiona el desplazamiento de un continente, con una historia en la que la identidad siempre ha sido de gran importancia.







Edson Chagas is a photographer and photojournalist. His works explore cities and consumerism. In the "Passe Type" series, 12 passport-type portraits of people dressed in suits or shirts in which their faces are hidden by different traditional African masks. The clothing refers to the type of costume that Angolans wear when taking passport photographs representing the country abroad. Masks refer to identity as a claim to diversity. "I wanted to deal with multiculturalism. When people discuss Africa they do it as if it were just a country, but it is a continent. "Edson Chagas. In the series "Oikonomos" there are people photographed in a white shirt and different bags, African, American or Chinese, placed on their heads, covering their faces. Chagas uses photography to analyze everyday life related to consumerism and globalization. The fact that all people dress the same and are only distinguished by the type of bag that covers their faces, questions how our consumption patterns increasingly define our identity. Chagas questions the displacement of a continent, with a history in which identity has always been of great importance.

More:https://zeitzmocaa.museum/artists/edson-chagas/



Plastique Fantastique

England






Con títulos épicos como "Rendimiento de desplazamiento del espejo: ¡Bienvenidos Mouth-Ports-Bou-Har!", Plastique Fantastique realiza locura y caos. Sin límites, mutan fácilmente entre humanos y avatares, proclamando palabras del pasado más lejano y del futuro lejano. En este trabajo con espejos, instruyen para crear el desplazamiento del espejo, explorar el desplazamiento del espejo mediante el uso del cuerpo para ver lo que se puede ver en el desplazamiento del espejo y dejar imágenes de espejo en la galería alrededor de un dibujo de brillantes
With epic titles like “Mirror displacement performance: Welcome Mouth-Ports-Bou-Har!”, Plastique Fantastique performs madness and chaos. Without any limits, they easily mutate between humans and avatars, proclaiming words from the furthest past and afar future. In this work with mirrors they instruct to create mirror displacement, explore mirror displacement through using the body in order to see what can be seen in mirror displacement and leave mirror images in the gallery around a glitter drawing.

More: http://www.plastiquefantastique.org/performance07.html

Valentina Diaz

Argentina/México


Siete personas, siete trajes tejidos, siete bailarines, siete estructuras de madera que crean la imagen de un agujero. Un agujero negro en el medio y delante de él, un metrónomo. En el otro lado del vestuario, una secuencia de símbolos, construida por patrones (desde textiles hasta textos y lingüísticos). Los artistas de los dos lados muestran el cuerpo como un dispositivo plano para las escrituras e imágenes. Hay un potencial sugerido de combinaciones que crean varias imágenes: el frontal, el reverso y los perfiles constituyen un sistema de lenguaje. Me viene a la mente una representación lúdica de la dicotomía entre la lengua y la libertad condicional (Ferdinand de Saussure) como la construcción sistemática abstracta del lenguaje y su uso específico. Como lo abstracto y la danza concreta en este trabajo, “La sala del lenguaje o el lenguaje de la sala” unen lo humano y lo no humano, el uso métrico del tiempo y el emocional, el texto y el textil.
Seven persons, seven woven costumes, seven dancers, seven wooden structures all creating the image of a hole. A black hole in the middle and in front of it, one metronome. On the other side of the costumes, a sequence of symbols, constructed by patterns (from textile to texts to linguistic). Two sided performers show the body as a flat device for scriptures and images. There’s a suggested potential of combinations that create several images: the frontal, the back-side and the profiles constitute a language system. Comes to my mind a playful enactment of the dichotomy between langue and parole (Ferdinand de Saussure) as the abstract systematic construction of language and the specific use of it. As the abstract and the concrete dance in this work, “The room of the language or the language of the room” tie together the human and the not-human, the metrical use of time and the emotional one, the text and the textile.


More: https://valentinadiazcom.files.wordpress.com/2019/12/portafolio18-19-1.pdf



Susan Merseillas

United States




















Un viaje fotográfico a través de los carnavales de los pueblos pequeños y la interpretación única de un feria en la cultura norteamericana. No como un carnaval
-del italiano carnele, carne y más allá, más allá de la carne-, sino como un espectáculo de diversión donde se revela la carne. Como ella describe: “De 1972 a 1975, pasé mis veranos fotografiando y entrevistando a mujeres que realizaban striptease para los carnavales de pequeñas ciudades en Nueva Inglaterra, Pensilvania y Carolina del Sur. Mientras seguía los espectáculos de chicas de pueblo en pueblo, fotografié las actuaciones públicas de los bailarines y sus vidas privadas. También grabé entrevistas con los bailarines, sus novios, los directores de espectáculos y los clientes que pagan. Las mujeres que conocí tenían entre diecisiete y treinta y cinco años. La mayoría había abandonado pueblos pequeños, buscando movilidad, dinero y algo diferente de lo que sus vidas prescribían o prohibían que el carnaval les permitiera abandonar. Eran fugitivas, novias de carnies, bailarinas de clubes, tanto transitorias como profesionales. Trabajaron en una caja de viaje, un camión que se desplegó para formar dos escenarios, uno que se abría a los terrenos públicos del carnaval, otro escondido debajo de una carpa para una audiencia privada ".


A photographic journey through small town carnivals and the unique interpretation of a carnival in northamerican culture. Not as carnival—from the italian carnevale flesh and away, beyond the flesh—but as an amusement show where the flesh is revealed. As she describes: “From 1972 to 1975, I spent my summers photographing and interviewing women who performed striptease for small town carnivals in New England, Pennsylvania, and South Carolina. As I followed the girl shows from town to town, I photographed the dancers' public performances as well as their private lives. I also taped interviews with the dancers, their boyfriends, the show managers, and paying customers. The women I met ranged in age from seventeen to thirty-five. Most had left small towns, seeking mobility, money and something different from what was prescribed or proscribed by their lives that the carnival allowed them to leave. They were runaways, girlfriends of carnies, club dancers, both transient and professional. They worked out of a traveling box, a truck that unfolded to form two stages, one opening to the public carnival grounds, another concealed under a tent for a private audience.”


More: http://www.susanmeiselas.com/early-years/carnival-strippers

Hélio Oiticica

Brazil


Música, palabras y estructuras de planos de color que envuelven cuerpos que se transforman con cada movimiento singular: lo que la figura puede lograr. Cifras que resumen la naturaleza participativa de los carnavales: participación que involucra la dimensión política del sujeto. Esta dimensión es la dimensión del trabajo total, que disloca el objeto y lo evalúa como un punto de conexión. Anti-arte, no conformidad, complicidad, compartir, desinhibición intelectual y multisensorialidad son algunas de las implicaciones de este trabajo. Cada pieza de tela no es un fin: se transforma de capas, disfraces, pancartas, carpas y banderas. Parangolé (finales de la década de 196

0) es el resultado de la experiencia de Oiticica con la comunidad de la Escuela de Samba Estação Primeira da Mangueira, en Río de Janeiro. Digámoslo en una frase: "INCORPORO A REVOLTA", un

a declaración de trabajo y acción.

Music, words and structures

of planes of colour that envelop bodies that transform with each singular movement: that which the figure can achieve. Figures that outline the participatory nature of carnivals: participation that involves the political dimension of the subject. This dimension is the dimension of the total work, which dislocates t

he object and appraises it as a point of connection. Anti-art, nonconformity, complicity, sharing, intellectual disinhibition and multi-sensoriality are some of the implications of this work. Each piece of fabric is not an end: transforms from cloaks, to costumes, to banners, tents and flags. Parangolé (late 1

960s) are a result of Oiticica’s experience with the community of the Samba School Estação Primeira da Mangueira, in Rio de Janeiro. Let’s say it in one phrase: "INCORPORO A REVOLTA", a work-action statement.


More: https://www.tate.org.uk/research/publications/performance-at-tate/case-studies/helio-oiticica






Aby Warburg

Germany




La experiencia transforma nuestras ideas. Aby Warburg, uno de los historiadores de arte más importantes del siglo XX, vio profundas conexiones visuales entre tiempos y espacios que llamó "atlas de imágenes" o Mnemosyne. Esta es la razón por la que creó paneles llenos de imágenes que funcionaron como constelaciones de significados y antagonismos cosmológicos en el misterioso devenir de la cultura. La historia a veces parece estéril. Esto se debe al diálogo distante con objetos que ya están fuera de contexto. Pero los objetos son extensiones de conceptos e ideas y las imágenes llevan energías. Warburg entendió eso e incluso declaró que nunca habría presentado sus ideas sobre el Renacimiento si no hubiera visitado a los indios Hopi (1895). Warburg vio bailar a la serpiente: un ritual que involucraba pintar con arena y bailar alrededor de cientos de serpientes venenosas. Algunos años más tarde imaginó la tensión entre la experiencia del arte como intoxicación, y al mismo tiempo como método y realización. Obsesionado con el paganismo, quería traer a la historia del arte occidental la poderosa energía primitiva que las imágenes transmiten a través del tiempo. A través de la máscara, Warburg podía comprender la lógica de la sinrazón.

Experience transforms our ideas. Aby Warburg, one of the most important art historians of the 20th Century saw profane visual connections between times and spaces that he called “image atlas” or Mnemosyne. This is the reason why he created panels full of images that worked as constellations of meanings and cosmological antagonisms in the mysterious becoming of culture. History sometimes appears sterile. This is because of the distant dialogue with objects that are already out of context. But objects are extensions of concepts and ideas and images carry energies. Warburg understood that and he even stated that he would have never come up with his insights of Renaissance if he hadn’t visited the Hopi Indians (1895). Warburg saw the snake dance: a ritual that involved sand painting and dancing around hundreds of poisonous snakes. Some years later he envisioned the tension between experience of art as intoxication, and at the same time as method and accomplishment. Obsessed with paganism, he wanted to bring to western art history the powerful primeval energy that images carry through time. Through the mask Warburg could grasp the logic of unreason.

More: https://believermag.com/ghost-stories-for-the-very-adult/


Paul McCarthy

United States




I always thought that cartoons were ageless. But in these images we can see they are worn out, Olive Oil (from Popeye) and Miss Piggy are trashed. They are filthy, sordid, and even vulgar. In this work the

performer is no longer the caricature but the mask itself. An empty mask. Many of these characters are part of Northamerica’s mythic culture that like a roller coaster goes from low to high culture in a matter of seconds. As it is being said it is between Beauty and the Beast, aesthetic and horrific. Also, McCarthy thinks that the props (like these masks) of popular culture are agents that condition and control Western cultue. It reveals the fiction in all of these fabrications that reach every point of the globe in commodification and consumption. The mask of the character is then a control mechanism of morality and archetypes. As we can see from the images, it is

no longer a story of fairy tales but a reaffirmation of good and evil, the villain and the saint of the story. McCarthy doesn’t intend to talk from the provocation but from a space of resistance.


More: https://www.youtube.com/watch?v=lVP-3dTmpYc

Siempre pensé que los dibujos animados no tenían edad. Pero en estas imágenes podemos ver que están desgastadas, el aceite de oliva (de Popeye) y Miss Piggy están destrozados. Son sucios, sórdidos e incluso vulgares. En este trabajo, el intérprete ya no es la caricatura sino la máscara en sí. Una máscara vacía Muchos de estos personajes son parte de la cultura mítica de Norteamérica que, como una montaña rusa, pasa de una cultura baja a una alta en cuestión de segundos. Como se dice, es entre La Bella y la Bestia, estética y horrible. Además, McCarthy piensa que los accesorios (como estas máscaras) de la cultura popular son agentes que condicionan y controlan la cultura occidental. Revela la ficción en todas estas fabricaciones que llegan a todos los puntos del mundo en materia de mercantilización y consumo. La máscara del personaje es entonces un mecanismo de control de la moral y los arquetipos. Como podemos ver en las imágenes, ya no es una historia de cuentos de hadas, sino una reafirmación del bien y el mal, el villano y el santo de la historia. McCarthy no tiene la intención de hablar desde la provocación sino desde un espacio de resistencia.






Saul Steinberg

United States















Con simples gestos dibujados, Saúl crea expresiones poderosas. La antropometría de la cara se revela como dos bolas verticales y una línea horizontal. Cortes rápidos de papel llenan el espacio con ojos que te miran. Saul Steinberg produjo con bolsas de papel estas máscaras con cortes y pintura. Las especies sociales sensibilizan al espectador sobre las normas sociales y las ideas de disfraz. En su arte vemos que el mundo está lleno de máscaras para caminar, todos usan una, metafórica, analógica o real. La máscara se representa a través de expresiones, peinados, maquillaje, piercings y gestos que componen la máscara que usamos todos los días.
With simple drawn gestures Saul creates powerful expressions. The anthropometry of the face is revealed as two balls avertical and an horizontal line. Quick cuts of paper full the space with eyes looking at you. Saul Steinberg produced with paper bags these masks with cuts and paint. Social species make the spectator aware of societal norms and ideas of disguise. In his art we see that the world is full of walking masks, everyone is wearing one, metaphorical, analogical or real. The mask is enacted through expressions, hairstyles, makeup, piercings and gestures that compose the mask we wear everyday.

More: https://saulsteinbergfoundation.org/essay/paper-bag-masks/